O TEMPO DILATADO

Para a primeira parte da exposição (em Lisboa) procurou-se uma aproximação às ideias revolucionárias de desaceleração, de abrandamento ou mesmo de paragem (invocada ou forçada), permitindo a constituição de salas-ambiente e proporcionando uma possibilidade de relação lenta e desacelerada, recuperando assumidamente uma ideia de contemplação. As paredes das quatro salas que constituem o espaço da Fidelidade Arte foram propositadamente pintadas de um tom cinza escuro e a iluminação mantida num grau de intensidade propositadamente baixo, solicitando ao espectador (logo num primeiro momento) um tempo necessário para que pudesse processar-se uma natural adaptação da sua acuidade visual. Aí eram apresentadas obras de Ana Jotta, Ana Santos, António Dacosta, António Júlio Duarte, Armanda Duarte, Fernando Calhau, Francisco Tropa, Isabel Carvalho, Isabel Cordovil, Jonathan Monk, Julião Sarmento, Luís Paulo Costa, Mariana Caló e Francisco Queimadela, Mattia Denisse, Michael Biberstein, Paulo Brighenti, Sol Lewitt, Tiago Baptista e Vasco Barata. 

A abordagem não foi, neste caso, absolutamente sistemática, nem cristalina ou exaustiva. Quisemo-la dinâmica, permitindo-nos a adopção de sucessivas alterações consoante os diálogos entre as várias obras e as suas necessidades se nos iam manifestando, e optámos pela imposição de um processo lento de observação e decisão, baseado em aspectos como a confiança, a intuição e a aceitação de que podemos estar enganados e que podemos e devemos permitir-nos cometer erros. Procurámos, mais do que a produção de uma narrativa absoluta, a possibilidade de edificação de um eco-sistema equilibrado de sentidos, recuperando aspectos decorrentes da relação entre a arte e a vida e promovendo o encontro entre manifestações do pensamento visual amplamente abertas à experimentação. 

Um espaço de aprendizagem onde nos é permitido desacelerar, parar, pensar e mover. 

Ao entrarmos, deparamo-nos de imediato com uma das obras de Alisa Heil. Um conjunto de oito estandartes que se distribuem pelo perímetro de arcadas que define a rotonda central do espaço e que combinam uma dimensão poética, afectiva com uma dimensão eminentemente política. O trabalho, produzido através da técnica do patchwork, combina retalhos de tecidos de várias origens (também eles portadores de particularidades e referências identitárias) para formar padrões geométricos carregados de simbolismo. Cada uma destas obras presta homenagem a uma figura feminina histórica, recuperando consigo a própria história do seu apagamento.

Na zona central do espaço encontramos uma instalação de Madalena Lopes e Léo Raphaël, especialmente concebida para a exposição. Do interior de um conjunto de esculturas cerâmicas mais ou menos informes – mãos líquidas – ouvimos surgir uma voz que nos cita um poema discorrendo acerca da fluidez das matérias e da permeabilidade entre o funcionamento da Inteligência Artificial e determinados estados da consciência humana. 

Iniciando depois o percurso pela sala A, encontramos um conjunto de obras (Marco Franco, Jorge Pinheiro, Armanda Duarte, Horácio Frutuoso e André Sousa) que, embora silenciosas, ou em certa medida ambíguas, parecem apontar-nos uma ideia de sistema, de marcação de tempo, de ritmo – nuns casos com maior rigidez, noutros com maior desprendimento – que orienta a deambulação do olhar e, necessariamente também, o movimento do corpo.

Não nos foi possível ignorar a identidade deste lugar: um espaço de representação de poder. Antiga sede de um banco, configura-se como a representação do poder financeiro – particularmente significativa no âmbito desta reflexão –, albergando e dando lugar à edificação da grande narrativa responsável pelos processos de aceleração a que dedicamos a nossa atenção e que, justamente, procuramos travar. O desenvolvimento de uma reflexão acerca do legado simbólico deste lugar (esse pensar a que alude o título da exposição) teria necessariamente de convocar, na sala B, a presença de um conjunto de obras que desenvolvem estratégias assumidamente críticas ou que delas afirmativamente se aproximam (Bruno Borges, Sara & André, Carlos Gentil-Homem e Ernesto de Sousa, Pedro Barateiro, Vasco Barata, Diogo Evangelista e Hugo Canoilas). Transitamos desse contexto mais afirmativo no revelar das suas intenções, para um contexto (sala C) onde a manifestação de estados de desconforto e inquietação surge agora sob a forma da metáfora, da interrogação ou do enigma, sem recusar o humor enquanto ferramenta crítica (Eduardo Batarda, José Loureiro, Joanna Piotrowska, Christian Andersson, Dayana Lucas, Francisco Queirós e Jorge Queiroz). Na sala D dispõe-se um conjunto de obras (Tiago Baptista, Andreia Santana, Pierre Huyghe, Daniel Gustav Cramer e Luísa Mota) que procuram restabelecer uma relação com a vida, com o quotidiano, com os rituais, com o tempo lento e com esse lugar de encontro com os seres e com as outras formas de vida, abraçando a experimentação e entendendo a existência como uma plataforma aberta de relação não-extractivista. 

Depois de percorrido todo o piso 0, descemos ao piso inferior e, no interior do cofre – agora sala escura – encontramos um filme da dupla Von Calhau!, marcado por uma multi-dimensionalidade espacial e temporal (tão própria aos recursos cinematográficos e tão cara ao universo dos próprios artistas). Personagens ficcionais envoltos num enredo onírico ou uma espécie de ritual de passagem – ou de salvação – onde o tempo é amplamente dilatado e o território perfurado, penetrado. Criaturas fantasmáticas que partilham uma condição humana e animal e actuam numa dimensão paralela, comprimida, transitando entre o passado e o futuro, numa combinação de ruralidade, mitologia, bio-diversidade, cultura e espiritualidade.

Desacelerar, parar, pensar e mover. 

Instituir, na prática, um sistema de cuidado, um sistema de atenção. 

O trabalho do cuidado e da atenção foi sempre considerado como não produtivo desvalorizando o ‘poder do labor’ que sabemos que nele é produzido, e que, no fundo, é responsável por produzir todo o resto. Porque não observar, atentamente, a capacidade produtiva de todos os seres? 

Na sociedade burguesa, o corpo perdeu a sua relevância política e transformou-se numa mera ferramenta usada para actividades sociais ou de trabalho. Como resultado, os corpos separaram-se uns dos outros e organizaram-se em função do seu estatuto simbólico. A experiência da intimidade passava a ser possível apenas através do sexo ou da guerra – situações de excepção à ordem simbólica. Em sentido inverso, num sistema de cuidado e atenção, todos os corpos são íntimos e políticos ao mesmo tempo. Aqui o íntimo e o político, o corpo físico e o corpo simbólico tornam-se idênticos. 

Falamos desse trabalho do cuidado e da atenção que respeita o ritmo, o seu e o dos restantes seres implicados, valorizando o tempo e os seus desdobramentos, numa ética da atenção: ser lento pode significar ser melhor. 

Recordar os caracóis ou as tartarugas, os cogumelos ou os bolores, perceber-lhes o funcionamento e a estrutura de relações que desenvolvem nos seus contextos existenciais. Recuperar práticas de cuidado, de observação atenta, de aproximação aos outros, contemplar a vida e produzir alegria ... porque afinal “a alegria é a coisa mais séria da vida”.